Κουραχάρα Κορεγιόσι (1927-2002)

Ο Κορεϊόσι Κουραχάρα (Kurahara Koreyoshi) (31 Μαΐου 1927 - 28 Δεκεμβρίου 2002) ήταν Ιάπωνας σεναριογράφος και σκηνοθέτης. Είναι ίσως περισσότερο γνωστός για τη σκηνοθεσία της ταινίας Ανταρκτική (1983), η οποία κέρδισε πολλά βραβεία και συμμετείχε στο 34ο Διεθνές Φεστιβάλ Κινηματογράφου του Βερολίνου.  Συν-σκηνοθέτησε επίσης το Hiroshima (1995) με τον Roger Spottiswoode, το οποίο ήταν υποψήφιο για το βραβείο Primetime Emmy για εξαιρετική μίνι σειρά.

Γεννήθηκε στο Κουτσίνγκ, στο Βασίλειο του Σαράουακ (τώρα πολιτεία της Μαλαισίας) στο Βόρνεο, από έναν γεωργικό μηχανικό. Η οικογένειά του επέστρεψε στην Ιαπωνία όταν ο Kurahara ήταν στο δημοτικό σχολείο.  Ήταν ανιψιός του κριτικού λογοτεχνίας Korehito Kurahara και μεγαλύτερος αδελφός του σκηνοθέτη Koretsugu Kurahara. Ο γιος του Jun Iwasaki, πρώην παραγωγός της Ishihara International Productions Inc., είναι σήμερα γραμματέας του πολιτικού Nobuteru Ishihara.
Ενώ ήταν φοιτητής κινηματογράφου στο Nihon University College of Art, έγινε ζωντανός μαθητής του Kajiro Yamamoto κατά την εισαγωγή του Ishirō Honda. Μετά την αποφοίτησή του το 1952 εντάχθηκε στο στούντιο του Shochiku στο Κιότο και εργάστηκε ως βοηθός σκηνοθέτη. Μεταπήδησε στο Nikkatsu το 1954, εργαζόμενος κυρίως ως επικεφαλής βοηθός σκηνοθέτη του Eisuke Takizawa.
Έκανε το σκηνοθετικό του ντεμπούτο το 1957 με το I Am Waiting, με πρωταγωνιστή τον Yujiro Ishihara, και κέρδισε αναγνώριση για την τολμηρή δουλειά του στην κάμερα και τις γωνίες του. Στη συνέχεια σκηνοθέτησε πολλές ταινίες με πρωταγωνιστές τους Ishihara και Ruriko Asaoka.
Το 1960 γύρισε το πρώτο ιαπωνικό φιλμ νουάρ Intimidation και το 1964 γύρισε την ταινία Black Sun, την ιστορία ενός μαύρου GI σε φυγή που συναντά έναν Ιάπωνα οπαδό της τζαζ με ένα soundtrack από το συγκρότημα του Max Roach με τους Clifford Jordan και Abbey Lincoln. Το soundtrack κυκλοφόρησε σε CD στην Ιαπωνία μόλις το 2007.
Αφού έγινε ελεύθερος επαγγελματίας το 1967, σκηνοθέτησε μια σειρά από υπερπαραγωγές και δημοφιλή έργα, συμπεριλαμβανομένων των Eiko e no 5,000 Kiro, Kitakitsune Monogatari, The Gate of Youth και Umi e, See You.  Η ταινία του 1983 Nankyoku Monogatari (γνωστή και ως Ανταρκτική) ήταν μια επιτυχία 5,9 δισεκατομμυρίων γιεν και κράτησε το ιαπωνικό ρεκόρ box office για μια εγχώρια ταινία μέχρι να ξεπεραστεί από την πριγκίπισσα Mononoke του Miyazaki Hayao το 1997.  Η ταινία αργότερα προσαρμόστηκε σε μια ταινία του 2006, Οκτώ παρακάτω, η οποία είναι επίσης αφιερωμένη σε αυτόν.

Πηγή: Koreyoshi Kurahara - Βικιπαίδεια (wikipedia.org) 

Φιλμογραφία

Σκηνοθέτης

Σεναριογράφος-Συγγραφέας

Δεύτερο Συνεργείο-Βοηθός Σκηνοθέτης

Παραγωγός

Πηγή: Koreyoshi Kurahara - Credits (text only) - IMDb 

Τα πρώτα χρόνια του Koreyoshi Kurahara

SEGUNDA-FEIRA, 25 DE ABRIL DE 2011

Από τον Nick Palevsky (2009) (δείτε τη σελίδα του στο Mubi)
Αναδημοσίευση με άδεια από το MUBI

Εγώ

Μαύρος Ήλιος και Φυλή Ήλιου

Το φετινό TOKYO FILMEX παρουσίασε μια αναδρομική έκθεση για τον Koreyoshi Kurahara, έναν σκηνοθέτη του οποίου η μακροχρόνια διεθνής φήμη μπορεί να βασίζεται στις ταινίες του taiyozoku ή "sun tribe". Τα έκανε αυτά για τα Nikkatsu Studios τις δεκαετίες του '50 και του '60. Ωστόσο, δεν ήταν περισσότερο γνωστός στην Ιαπωνία τις δεκαετίες πριν από το θάνατό του το 2002: αφού έφυγε από το Nikkatsu, έκανε κυρίως οικογενειακές ταινίες για ζώα, μακρινά μέρη ή και τα δύο. Η αναδρομική έκθεση τα παραλείπει και περιλαμβάνει ταινίες για και για μια θυμωμένη και μπερδεμένη γενιά, που μεγάλωσε στον απόηχο της ήττας της Ιαπωνίας και κατά τη διάρκεια της αμερικανικής κατοχής.Ο Μαύρος Ήλιος γυρίστηκε το 1964, όταν το είδος των ταινιών της «φυλής του ήλιου» έπεφτε σε παρακμή και το Nikkatsu έχανε από νέα στυλ δράσης και ταινίες είδους που εισήχθησαν από άλλα στούντιο. Η ιστορία ενός μαύρου GI, μπορεί να έχει επηρεαστεί από το The Catch της Nagisa Oshima, που έγινε λίγα χρόνια πριν. Ωστόσο, οι δύο είναι πολύ διαφορετικές ταινίες. Το The Catch αφορά έναν μαύρο Αμερικανό στρατιώτη που συνελήφθη κατά τη διάρκεια του Β 'Παγκοσμίου Πολέμου, σε ένα απομακρυσμένο ιαπωνικό χωριό. Το Black Sun είναι για τον Gil, έναν GI on the lam από Αμερικανούς βουλευτές, που κρύβεται στην καρδιά του σύγχρονου Τόκιο.Η ταινία ξεκινά καθώς ο Akira, ένας νεαρός drifter, επιλέγει ένα τζαζ LP. Ο καβγάς που τσακώνεται με ένα νεαρό ζευγάρι της μεσαίας τάξης για αυτόν τον δίσκο δείχνει το πάθος του για την τζαζ. Εκείνο το βράδυ, ο Ζιλ εισβάλλει στην αυτοσχέδια κατοικία της Ακίρα. (Αναρωτιέται κανείς αν το όνομα "Gil" προέρχεται από το G.I., ή αν είναι μια αναφορά στον τότε δημοφιλή μουσικό, Gilberto Gil.) Ο νεαρός Ιάπωνας τον υποδέχεται με παιδική χαρά – ένας πραγματικός μαύρος που παίζει τζαζ -- αν και δεν έχει πολλές επιλογές, επειδή ο Gil κρατάει όπλο (καθώς και τρομπέτα). Παρόλο που αποδεικνύεται ότι ο Gil μπορεί να παίξει μόνο μία νότα σε αυτή την τρομπέτα, αυτή η ταινία είναι πιο ρητά για την τζαζ από οποιονδήποτε από τους προκατόχους της.Ποιοι είναι οι προκάτοχοι; Το αρχικό ζευγάρι των ταινιών "sun tribe" έγινε από τον Nakahira Ko - μαζί με τον Kurahara, έναν άλλο από τους "Τρεις σκηνοθέτες Nikkatsu", μας λέει ο κατάλογος Filmex. Οι δύο πρώτες ταινίες "φυλής του ήλιου" προσαρμόστηκαν από μυθιστορήματα του Ishihara Shintaro: Season of the Sun και Crazed Fruit (και οι δύο 1956). Και οι δύο πρωταγωνίστησαν στον μικρότερο αδερφό του Ishihara, Yujiro - έγινε το μεγαλύτερο αστέρι του Nikkatsu - αλλά το Crazed Fruit έχει τραβήξει πιο αναδρομική κριτική προσοχή. Αυτό οφείλεται εν μέρει, χωρίς αμφιβολία, στην αποπνικτική σεξουαλικότητα του ομολόγου του Yujiro, Mie Takahara.Αυτές οι ταινίες έγιναν γρήγορα είδος, συχνά συμπεριλαμβάνοντας τον "ήλιο" στον τίτλο. Αλλά καμία από τις παραλλαγές που ονειρεύτηκαν πολλοί σκηνοθέτες δεν είναι τόσο εντυπωσιακή όσο ο οξύμωρος «Μαύρος Ήλιος». Η ταινία ανταποκρίνεται στον αντιφατικό τίτλο της, ο οποίος αντικατοπτρίζει αντιφατικά ή αυτοκαταστροφικά στοιχεία που υπονοούνται στο είδος taiyozoku. Για παράδειγμα, οι σκηνοθέτες έπρεπε να συνεχίσουν να ανεβάζουν τον πήχη, βάζοντας τους χαρακτήρες να κάνουν όλο και πιο εξωφρενικά πράγματα για να τραβήξουν την προσοχή του κοινού. Ωστόσο, ο Shintaro Ishihara, ο οποίος είναι τώρα κυβερνήτης του κόμματος LDP στο Τόκιο, δήλωσε νωρίς ότι ήταν πολύ πιο συντηρητικός από ό, τι πίστευαν οι αναγνώστες του. Αυτές οι ιστορίες είναι, κατά μία έννοια, για τη συντηρητική ηθική: η εξέγερση και η παρορμητικότητα δεν φέρνουν τελικά ευτυχία ούτε στα αγόρια ούτε στα κορίτσια.Οι ταινίες taiyozoku, που έγιναν -τουλάχιστον στην αρχή- σε μια δύσκολη περίοδο, έχουν ένα στοιχείο φυγής. Τα αρχικά μυθιστορήματα της Ishihara ήταν εν μέρει ευχάριστες αναμνήσεις ενός μονωμένου και προνομιούχου νεαρού ιστιοπλοϊκού σκάφους γύρω από τη Hayama και το Zushi - εξ ου και το έμβλημα του «ήλιου» - αλλά ο Μαύρος Ήλιος είναι πιο σκοτεινός. Δεδομένου ότι οι φυγάδες κινούνται κυρίως τη νύχτα, αυτό ισχύει ακόμη και με την πιο κυριολεκτική, φυσική έννοια. Μεταφορικά, είναι σαφές από την αρχή ότι και οι δύο χαρακτήρες έχουν θάνατο ή ποινή φυλάκισης που κρέμεται πάνω από τα κεφάλια τους. Αντί να μπλέξουν με μερικούς αστυνομικούς στο δρόμο προς την παραλία όπως οι προκάτοχοί τους taiyozoku, καταλήγουν να τα βάζουν με ολόκληρο τον αμερικανικό στρατό και τα «σκυλιά που τρέχουν» της ιαπωνικής αστυνομίας.

Μέχρι το 1964, ωστόσο, αυτό είναι ένας αναχρονισμός. Η Ιαπωνία δεν ήταν πλέον ένα βομβαρδισμένο, κατεχόμενο έθνος, αλλά βρισκόταν στη μέση μιας εκπληκτικής οικονομικής ανάκαμψης (Πόσες βομβαρδισμένες εκκλησίες είχαν απομείνει στην πραγματικότητα στην Ιαπωνία μέχρι το 1964;) Παρ 'όλα αυτά, εδώ είναι που ο Ακίρα καταλαμβάνει και ο Ζιλ βρίσκει καταφύγιο. Ο αρχικός ενθουσιασμός του λάτρη της τζαζ Akira για τον Gil - έναν ζωντανό μαύρο άνδρα που αναπνέει και όχι μια φωτογραφία σε εξώφυλλο άλμπουμ - απογοητεύεται όταν ανακαλύπτει ότι ο Gil δεν ξέρει τίποτα για την τζαζ. (Ο GI προσεύχεται απεγνωσμένα και τελικά τραγουδά λίγο από τα μπλουζ. Το τραγούδι αποδεικνύεται ότι είναι το "Six Bit Blues" του Langston Hughes και η μουσική του ντράμερ Max Roach για την ταινία, ομοίως εγγράμματη, κάνει μια τζαζ απόδοση του κομματιού του Hughes.)Μετά από αρκετές λανθασμένες εκκινήσεις - σε μια στιγμή πανικού, ο Gil πυροβολεί τον «ρατσιστή» σκύλο της Akira, Monk - οι δυο τους κάνουν ένα είδος τελευταίας στάσης ενάντια στους λευκούς. Μια αστεία σκηνή – η ζοφερότητα χρειάζεται κωμική ανακούφιση – έχει τον Ακίρα με μαύρο πρόσωπο και τον Ζιλ Γουάιτ ως κλόουν, μπερδεύοντας εντελώς τους (αναπόφευκτα) βουλευτές με το κεφάλι καθώς το ζευγάρι οδηγεί μέσα από ένα σημείο ελέγχου.Αυτή είναι μία από τις σχετικά λίγες ακολουθίες που ορίζονται κατά τη διάρκεια της ημέρας. Ως επί το πλείστον, το ζευγάρι φεύγει από την εκκλησία μόνο τη νύχτα και υπάρχουν περιστασιακές, δραματικά φωτισμένες περικοπές στις πολύτιμες, περίτεχνες μαντόνες του οικοδομήματος, οι οποίες, όπως και οι παρακάμψεις του Yukio Mishima στη δυτική τέχνη και στυλ, χρησιμεύουν για να συμβολίσουν την ιαπωνική αμφιθυμία προς τη λευκή - και στην περίπτωση του Akira, τη μαύρη - κουλτούρα. (Ο Kurahara θα έκανε αργότερα μια προσαρμογή Mishima για το Nikkatsu, και είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι ο Shintaro Ishihara και ο Mishima κινήθηκαν στους ίδιους λογοτεχνικούς κύκλους εκείνη την εποχή.)Μεταξύ των διαφόρων ταινιών της αναδρομικής έκθεσης Kurahara, δύο ηρωίδες πνίγουν τις θλίψεις τους στον ωκεανό και αρκετοί αντιήρωες εκτονώνουν επίσης τις απαγορευμένες παρορμήσεις τους εκεί. Ο Ζιλ ζητά από τον Ακίρα να τον πάει στη θάλασσα, αλλά αφού φτάσει σε μια απογοητευτικά μολυσμένη είσοδο, το καλύτερο που μπορεί να κάνει ο Ακίρα είναι να τον ανεβάσει στην οροφή ενός κτιρίου. Εκεί, ένα διαφημιστικό μπαλόνι είναι αγκυροβολημένο. Ο Ζιλ ανεβαίνει στο μπαλόνι, πιάνεται στα σχοινιά και καταλήγει σαν τον Χριστό. Καθώς τα καταδιωκτικά στρατεύματα παίρνουν θέσεις τύπου SWAT στην οροφή, ζητά από τον Ακίρα να τον κόψει και πλέει στον ουρανό.Το Taiiyozoku μεταφράζεται μερικές φορές ως το «Ιαπωνικό Νέο Κύμα» και όπως το nouvelle vague, εκτός από ένα κινηματογραφικό στυλ, ο όρος προορίζεται να αναφέρεται και σε μια γενιά. Αλλά μέχρι το 1964, αυτή η γενιά μεγάλωνε: μια νεότερη γενιά με διαφορετικά γούστα πήγαινε στον κινηματογράφο.Μετά το Black Sun, οι τελευταίες φωτογραφίες του Kurahara για το Nikkatsu είναι ως επί το πλείστον προσαρμοσμένες από μυθιστορήματα - όπως και πριν - αλλά από μια ευρύτερη επιλογή ειδών. Ακόμη και το Black Sun δείχνει μια απομάκρυνση από το είδος taiyozoku, καθώς δεν είναι καθόλου χαρακτηριστικό του. Μια πρώιμη προσαρμογή από ένα μυθιστόρημα του Kenzaburo Oe, The Time of Youth (1959), είναι αναμφισβήτητα η πρώτη ταινία taiyozoku του Kurahara, αν και ταιριάζει επίσης στο είδος ατελώς. Παρ 'όλα αυτά, πολλά στοιχεία από αυτό ανακυκλώθηκαν στην ταινία που αναφέρεται συχνότερα από τους κριτικούς. Δίνοντας ένα νεύμα στο Season of the Sun του Ko Nakahira, Kyonetsu no kisetsu (1960), θα μεταφραστεί άμεσα σε κάτι σαν "Season of Fever". Προφανώς, ωστόσο, ένας διανομέας πορνό στη Νέα Υόρκη χρέωσε το Kyonetsu no kisetsu ως The Warped Ones, και η μετάφραση κόλλησε, (το ιαπωνικό κοινό εκείνη την εποχή θα θεωρούσε αυτές τις ταινίες εντυπωσιακές, αλλά ούτε οι ίδιοι ούτε το σημερινό κοινό πουθενά θα τις θεωρούσαν πορνογραφικές).

Οι Τυλιγμένοι και οι πρόγονοί τους

Οι πρώτες τέσσερις ταινίες από την αναδρομική έκθεση Kurahara του Filmex, όλες από τη δεκαετία του '50, δείχνουν ότι πειραματιζόταν με διαφορετικά είδη. Αν και αυτό οφείλεται εν μέρει στο γεγονός ότι αυτές οι ταινίες βασίζονται σε διαφορετικά μυθιστορήματα από διαφορετικούς συγγραφείς, εξελίσσεται επίσης ως σκηνοθέτης, νιώθοντας γύρω για το είδος της ιστορίας που μπορεί άνετα να προσαρμόσει στον κινηματογράφο.Είναι σημαντικό να θυμόμαστε ότι στο μυαλό του κοινού, οι ταινίες που έβγαλε ο Nikkatsu συνδέονταν με τα αστέρια τους και όχι με τους σκηνοθέτες. Η πρώτη μη μαθητευόμενη ταινία του Kurahara (παραλείπεται στην αναδρομική έκθεση) ήταν το I'm Waiting (Ore ga matteru ze!), με πρωταγωνιστές το ζευγάρι από τους Crazed Fruit, Ishihara και Kitahara, το «άλφα ζευγάρι» του Nikkatsu.Προηγούμενες ρετροσπεκτίβες, (συμπεριλαμβανομένης της ρετρό Nikkatsu Action Films Mark Schilling που δημιουργήθηκε για το Ούντινε) έχουν συμπεριλάβει μερικές ταινίες Kurahara, αλλά η φετινή προσφορά Filmex δείχνει ότι στις καλύτερες ταινίες του, ο Kurahara χρησιμοποίησε συχνά ορισμένα μέλη της δεύτερης τάξης ερμηνευτών Nikkatsu και πήρε πολύ καλές ερμηνείες από αυτούς.Ο ένας ήταν ο Nagato Hiroyuki, ο οποίος πρωταγωνιστεί στην εναρκτήρια ταινία, μια ανακαλυφθείσα (και αποκατεστημένη) εκτύπωση του Daisan no shikaku (The Third Dead Angle). Σχετικά με τη διαφθορά, τις συνωμοσίες και τις αντιπλοκές εντός και μεταξύ ιαπωνικών εταιρειών, κατά κάποιο τρόπο προεικονίζει το Intimidation, την ταινία στο ρετρό που έγινε λίγο πριν από το The Warped Ones. Συχνά χαρακτηρίζεται ως το πρώτο φιλμ νουάρ της Ιαπωνίας, το Intimidation είναι πιο κυκλοθυμικό και πιο ψυχολογικό από τον προκάτοχό του. Αυτό είναι ένα πρώιμο παράδειγμα της ικανότητας του Kurahara να κάνει «κάθε ταινία να βασίζεται σε [προηγούμενα] θέματα σε συνεχή εξέλιξη», σύμφωνα με τις σημειώσεις του Filmex.Οι προσαρμογές που έκανε ενδιάμεσα - τουλάχιστον εκείνες της αναδρομικής έκθεσης - κορυφώνονται ομοίως σε μία από τις καλύτερες ταινίες του: The Warped Ones (1960). Μέχρι εκείνη τη στιγμή, πολλοί σκηνοθέτες είχαν κάνει ταινίες taiyozoku me-too knock-off και η Γυναίκα από τη Θάλασσα (Kaitei kara kita onna) έχει το ρομαντικό θαλάσσιο υπόβαθρο των ταινιών Ko Nakahira, αλλά στερείται πολύ κοινωνικής ή ψυχολογικής άκρης. Η όμορφη υποβρύχια φωτογραφία της Γυναίκας από τη Θάλασσα προεικονίζει πραγματικά τα ντοκιμαντέρ του των δεκαετιών του '70 και του '80, για την εξωτική φύση. (Θα αναφερθώ σε αυτά στο μέρος III).Ο ωκεανός, τόσο ως σκηνικό όσο και ως μεταφορά, γίνεται σημαντικός για την Kurahara γύρω από αυτό το διάστημα. Ίσως η μόνη ταινία στο ρετρό που στερείται σκηνής παραλίας ή ωκεανού - μια ομάδα νεαρών εκρήγνυται μια βόμβα δίπλα σε ένα ποτάμι, αν και - είναι η προσαρμογή του Oe Kenzaburo, The Time of Youth (Wareera no jidai), αλλά αυτή η ταινία έχει πολλά άλλα στοιχεία που θα έμπαιναν στο The Warped Ones, συμπεριλαμβανομένων μερικών από την ψυχολογική αιχμή.Λίγο υπόβαθρο στούντιο βοηθά εδώ. Το Nikkatsu ήταν το παλαιότερο στούντιο της Ιαπωνίας, αλλά προέκυψε από τον πόλεμο ως οντότητα διανομής και όχι παραγωγής. Παρά τα εμπόδια από τα άλλα στούντιο, κατάφερε να επιστρέψει στην παραγωγή στα μέσα της δεκαετίας του '50 με αρκετές προσαρμογές των μυθιστορημάτων του πρεσβύτερου Ishihara, ξεκινώντας με τις ταινίες taiyozoku που αναφέρονται στο Μέρος Ι. Αυτή ήταν η ευκαιρία του Kurahara να αποφοιτήσει από την εργασία για το Shochiku ως AD, και με τον καιρό, να γίνει ένας από τους σκηνοθέτες του «Nikkatsu Trio», μαζί με τον (διάσημο) Imamura Shohei και τον Nakahira Ko.

Η απώλεια του Ko ήταν κέρδος του Kurahara όταν η EIRIN, ένας οργανισμός αυτολογοκρισίας της βιομηχανίας, ζήτησε από τον Nikkatsu να σταματήσει να κάνει ταινίες taiyozoku, οι οποίες υποτίθεται ότι έβλαψαν τα ήθη της νεολαίας, προς τα τέλη της δεκαετίας του '50. Με το να μην χρησιμοποιεί τον Ishihara και τον Kitahara ως αστέρια και επειδή ήταν λιγότερο γνωστός από τον Ko, ο Kurahara ήταν σε θέση να «σφηνώσει» πίσω στο είδος χωρίς να κλείσει από τον EIRIN.Ο Nagato Hiroyuki εμφανίζεται ξανά στο The Time of Youth, παίζοντας έναν νεαρό φοιτητή, τον Yasuo, ο οποίος είναι ενθουσιασμένος με την προοπτική να φύγει από την Ιαπωνία, αφού κέρδισε υποτροφία για σπουδές στη Γαλλία. Το μίσος του ως Ιάπωνα είναι συνυφασμένο με μια αίσθηση εξάρτησης: από έναν μεγαλύτερο, πιο αθλητικό φοιτητή, ο οποίος βοηθά στην εξέλιξη των πολιτικών του απόψεων και -για φαγητό και στέγη- από μια μεγαλύτερη γυναίκα που είναι (και με τη σειρά της εξαρτάται από τον αλαζονικό Αμερικανό προστάτη της).Ερωτεύεται επίσης έναν όμορφο συμφοιτητή. Όταν μένει έγκυος, το τελεσίγραφό της προς αυτόν τον κάνει τελικά να σταθεί στα πόδια του. Μετακομίζει από το διαμέρισμα της, απορρίπτει την υποτροφία (λόγω της γαλλικής αποικιοκρατίας) και δίνει στον πρώην Αμερικανό «ευεργέτη» του έναν καλό γυμνοσάλιαγκα. Μέχρι τώρα θεωρούσε την Ιαπωνία «αξιολύπητη», όπως ο Αμερικανός, αλλά στο τέλος αποδέχεται μια μοίρα συνυφασμένη με την πατρίδα του.Αν και θα περνούσαν αρκετά χρόνια πριν χρησιμοποιήσει ρητά τη λέξη «ήλιος» στον τίτλο - μέχρι το 1964, τη χρονιά που ο Kurahara έκανε το Black Sun, το καλοκαίρι της ταινίας δράσης Nikkatsu ξεθώριαζε ούτως ή άλλως - η κυριολεκτική έννοια του The Warped Ones δίνει ένα νεύμα στην πρώτη ταινία taiyozoku αφαιρώντας το "sun" από τον τίτλο: η κυριολεκτική μετάφραση είναι "Season of Heat, " ενώ ο τίτλος του Ko ήταν Season of the Sun.This μπορεί να είναι η καλύτερη ταινία του Kurahara, για να μην αναφέρουμε αυτή που ταιριάζει καλύτερα στο είδος taiyozoku.Ο Tamio Kawachi, στο ρόλο του Akira, ενός νεαρού εγκληματία που μόλις αποφυλακίστηκε, δίνει ένα παρορμητικό zing, όπως και η τζαζ στη μουσική της ταινίας (η οποία θα επαναχρησιμοποιηθεί τόσο αποτελεσματικά στο Black Sun). Μεταξύ των στοιχείων που ανακυκλώνονται από το Time of Youth είναι ένας παρ' ολίγον θάνατος από στρόφιγγα αερίου, συζητήσεις για την άμβλωση (ένα συχνό θέμα, αλλά καμία από αυτές τις ταινίες δεν φαίνεται να έχει έκτρωση μέσα στα όρια του δραματικού χρόνου) και μια εγκληματική πράξη -αυτή τη φορά βιασμός- σε μια ερημική παραλία, με φόντο τον ρυθμικό ήχο των κυμάτων. αντί για την έκρηξη δίπλα σε ένα μικρό ρυάκι όπως στο Time of Youth.Το μόνο σχέδιο που κάνει ποτέ ο Ακίρα είναι να εκδικηθεί τον ντετέκτιβ που τον έστειλε στη φυλακή: ξεκινά βιάζοντας την αρραβωνιαστικιά του ντετέκτιβ. Σε αντίθεση με τον μάλλον νηφάλιο Υασούο στο Time of Youth – ο πρωταγωνιστής σε εκείνη την ταινία, Nagato Hideyuki, παίζει τον ευθύ ντετέκτιβ σε αυτή την ταινία – ο Akira είναι η τέλεια ενσάρκωση του παρορμητικού ήρωα taiyozoku, αδιαφορώντας για τις επιπτώσεις των πράξεών του στον εαυτό του ή στους άλλους: στην πραγματικότητα, ακριβώς το είδος του προτύπου που φοβόντουσαν οι λογοκριτές του EIRIN. Μια νέα προσθήκη είναι ο Matsumoto Noriko στο ρόλο της φίλης της Akira, η οποία προσθέτει λίγη αμυδρή πίτσα στην ταινία.Ήταν περίπου εκείνη την εποχή που ο σεναριογράφος του Kurahara, Nobu Yamada, εντάχθηκε στη δημιουργική του ομάδα. Μετά την επιτυχία του The Warped Ones, έκαναν ένα διάλειμμα από τις προσαρμογές και αποφάσισαν να γράψουν μερικές δικές τους ιστορίες. Αν και αρκεί να κοιτάξει κανείς στην Ευρώπη ή το Χόλιγουντ για να βρει μοντέλα για αυτές τις πιο «auteured» ταινίες, εντούτοις έδειξαν μεγαλύτερη πρωτοτυπία και ανεξαρτησία από το συνηθισμένο στυλ Nikkatsu.Το πρώτο από αυτά, I Hate But Love, παρουσιάζει τον μοναδικό ερμηνευτή "Diamond Line" (πρώτης κατάταξης) που συνεργάζεται με τον Kurahara ξανά και ξανά στο τελευταίο μέρος της καριέρας του στο Nikkatsu, Asaoka Ruriko. Ο κριτικός Mark Schilling βρίσκει το δεύτερο, Glass-Hearted Johnny, που θυμίζει το La Strada του Fellini. Αυτή μπορεί να μην είναι η καλύτερη του Kurahara, αλλά είναι ίσως η πιο χαρακτηριστική ταινία του.

Asaoka Ruriko και τα τελευταία χρόνια στο Nikkatsu

Πριν ο Kurahara και ο σεναριογράφος του Nobuo Yamada αφήσουν το είδος taiyozoku να ξεκουραστεί με το Black Sun, έκαναν δύο ταινίες "δρόμου". Τα μοντέλα τους είναι σαφώς δυτικές ταινίες, παρά ιαπωνικά μυθιστορήματα. Δεν είναι, ωστόσο, δουλικές απομιμήσεις, και οι δύο δίνουν στον σκηνοθέτη και τον σεναριογράφο ένα πιο ελεύθερο χέρι να πειραματιστούν με διαφορετικά στυλ: οι δύο ταινίες είναι επίσης αρκετά διαφορετικές μεταξύ τους.Το πρώτο, Nikui anchikusho (1962), με πρωταγωνιστή τον Ishihara Yujiro ως Daisaku, είναι ένα όχημα αστέρι τύπου Χόλιγουντ. Η Ishihara είχε παντρευτεί την προηγούμενη πρωταγωνίστρια του Nikkatsu, Mie Kitahara, η οποία στη συνέχεια συνταξιοδοτήθηκε, οπότε η Asaoka Ruriko παίζει τη φίλη του Daisaku. Ο αγγλικός τίτλος, I Hate But I Love, αποκαλύπτει την πρόθεση του σκηνοθέτη να κάνει μια ρομαντική κωμωδία φιλί και μακιγιάζ, κατά το πρότυπο του The Lady Eve του Preston Sturges.Το επίσημο μοντέλο είναι στην πραγματικότητα τα Ταξίδια του Σάλιβαν της Στέρτζες. Ο Daisaku είναι μια πολυάσχολη διασημότητα που κουράζεται από τη στενή, υπερβολικά πειθαρχημένη ζωή του: η αυταρχική μάνατζερ/φίλη του, την οποία υποδύεται η Asaoka, φαίνεται να ενσαρκώνει τις απογοητεύσεις του. Παρορμητικά, απαντά σε μια αγγελία για να παραδώσει ένα τζιπ που χρειάζεται ένας εθελοντής γιατρός σε ένα απομακρυσμένο χωριό Kyushu. Οι εργοδότες του προσπαθούν να τον σταματήσουν, αλλά στη συνέχεια οι άνθρωποι δημοσίων σχέσεων, με επικεφαλής τη φίλη του Daisaku, αποφασίζουν να τρέξουν με τον «ανθρωπισμό» του Daisaku, στέλνοντας μια σειρά δημοσιογράφων να ακολουθήσουν τη διασημότητα που φεύγει κατά μήκος της Ιαπωνίας: Honshu, Εσωτερική Θάλασσα και τελικά Kyushu.Το δεύτερο, οδικό τμήμα της ταινίας προσφέρει μια συναρπαστική άποψη της ιαπωνικής υπαίθρου των αρχών της δεκαετίας του '60. Ο Kurahara δεν ανταποκρίνεται αρκετά στο κωμικό πανάκι του Sturges εδώ, αλλά αυτό είναι το μέρος της ταινίας όπου αναπτύσσεται ο χαρακτήρας του Asaoka. Ακολουθεί τον Daisaku – αφού βοήθησε χαρούμενα τον εαυτό της στο σπορ αυτοκίνητό του – στους όλο και πιο επικίνδυνους δρόμους. Καθώς το αφεντικό της δίνει τη θέση του στον φόβο, η Νταϊσάκου βλέπει επιτέλους την ευάλωτη θέση της. Αυτό είναι που χρειάζεται: μόνο όταν τον κρατάει απεγνωσμένα, το αυτοκίνητό της κρέμεται από έναν γκρεμό, η αγάπη του για την ίδια πραγματικά τζελ.Καθώς ταξιδεύουν στην Ιαπωνία του 1962, ο Kurahara μεγαλοποιεί τους κινδύνους του δρόμου. Όπως και στις ταινίες του taiyozoku – με τα pam-pams, τα χοντρά, λευκά Johns και τα αλαζονικά GI τους – αισθάνεται κανείς ότι ο Kurahara ξορκίζει προβλήματα από το πρόσφατο παρελθόν – σε αυτή την περίπτωση, την αγροτική καθυστέρηση – αντί να δείχνει το ακριβές παρόν.Αυτή η εξορία του παρελθόντος εξηγεί γιατί σχεδόν κάθε ταινία δείχνει κάποιο μνημείο προόδου: μια ταινία από τα τέλη της δεκαετίας του '50, ίσως η Warera no jidai, δείχνει τον Πύργο του Τόκιο (από τον οποίο μεταδόθηκαν τα πρώτα έγχρωμα τηλεοπτικά προγράμματα της Ιαπωνίας). Στο Song of Dawn (1965), είναι η ίδια η Asaoka που παίζει τώρα την απογοητευμένη διασημότητα: η Noriko, μια δημοφιλής ηθοποιός, έχει ένα πολυτελές διαμέρισμα με θέα στο Ολυμπιακό Στάδιο Yoyogi. Αυτό τοποθετεί τόσο την ίδια όσο και την ταινία στο πλαίσιο μιας πιο σίγουρης Ιαπωνίας, απολαμβάνοντας οικονομική επιτυχία και διεθνή εκτίμηση. Καθώς ο Noriko «κάνει τη σκηνή» σε υποχρεωτικές δημόσιες εμφανίσεις και - για να τους ξεκουραστεί - σε αυτοσχέδια ξέφρενα πάρτι, το soundtrack παίζει τώρα ροκ εν ρολ καθώς και τζαζ.Κάποιος θα μπορούσε να συγκρίνει το Song of Dawn με το Sunset Blvd., εκτός από το ότι η Noriko είναι νέα και ενεργητική - η διάθεσή της αλλάζει άγρια πάνω και κάτω - έτσι ώστε ο τόνος, ακόμη και στις αντιξοότητες, να είναι κυρίως αισιόδοξος. Όπως και στο I Hate But I Love, ο χαρακτήρας της Asaoka είναι ουσιαστικά καλός, το αδύνατο σημείο της είναι ότι παίρνει τον εαυτό της πολύ σοβαρά. Για να γίνει πραγματικός επαγγελματίας, πρέπει να προσεγγίσει τους ρόλους της με κάποια ταπεινότητα ή τουλάχιστον ευελιξία και αφοσίωση.

Το μάθημά της στη ζωή ξεκινά όταν της ζητείται να πλαστογραφήσει τη δική της προσωπικότητα, όπως έκανε ο John Wayne στο True Grit (ή, πιο πρόσφατα, ο Brad Pitt στο Burn After Reading). Στην αρχική συνάντηση, δεν έχει καν διαβάσει το σενάριο για το έργο. Όταν τελικά το κάνει, αρχικά αρνείται το ρόλο. Υπάρχει επίσης ένα στοιχείο «ανθρωπισμού» στην ανάπτυξη του χαρακτήρα της Noriko, καθώς μαθαίνει ενσυναίσθηση για ένα νεαρό ζευγάρι από την επαρχία, γενναίο και πιστό ο ένας στον άλλο μπροστά στην ατυχία. Η εστίαση στην προσωπική ανάπτυξη ενός τόσο χαϊδεμένου χαρακτήρα δείχνει τη συγγένειά του με τα προηγούμενα κλασικά έργα του Χόλιγουντ και όχι με τον ευρωπαϊκό κοινωνικό ρεαλισμό: «μεγαλώνοντας» για τη Noriko δεν σημαίνει πραγματικά να αλλάξει ριζικά τη ζωή της ή να εμπλακεί πολιτικά, αλλά απλώς να μάθει πώς να χειρίζεται τη δουλειά της - και την ιδιωτική της ζωή - σαν επαγγελματίας.
Στην άλλη ταινία δρόμου του Kurahara, πειραματίστηκε πιο τολμηρά, κοιτάζοντας προς μεταπολεμικές ευρωπαϊκές ταινίες. Ολοκληρώθηκε επίσης το 1962 - αλλά μετά το I Hate But I Love - το Glass Hearted Johnny πρωταγωνιστεί στους ερμηνευτές δεύτερης κατηγορίας Joe Shishido και Izumi Ashikawa. Χωρίς να χρειάζεται να φτιάξουν ένα όχημα αστέρι, ο Kurahara και ο Yamada έγραψαν το πιο χαρακτηριστικό σενάριό τους, το οποίο, όταν πραγματοποιήθηκε σε ταινία, ήταν απαλλαγμένο από πολλές τυπικές συμβάσεις Nikkatsu.
Το If I Hate But I Love αφορά τη ρομαντική απόδραση, το Glass Hearted Johnny δείχνει την απόδραση ως πράξη απελπισίας. Η ταινία αφηγείται την ιστορία ενός κοριτσιού (Ashikawa) που πωλείται στην πορνεία, η οποία, αρπάζοντας τη μοναδική της ευκαιρία, πηδά σε ένα τρένο που επιστρέφει στο Χοκάιντο. Ο μαστροπός της την εντοπίζει, αλλά βρίσκεται αντιμέτωπος με τον νέο -αν και διαλείποντα- προστάτη του κοριτσιού, έναν εγωκεντρικό ποδηλάτη (τον οποίο υποδύεται ο Shishido).
Η ταινία τελειώνει αρκετά απότομα με την αυτοκτονία του κοριτσιού -στον ωκεανό, φυσικά- αλλά κατά τα άλλα η ταινία έχει μια συναρπαστική ανοιχτή διάθεση. Έχοντας παίξει κυρίως χαρακτήρες κοριτσιών της διπλανής πόρτας, η Ashikawa φέρνει αφελή απλότητα στο ρόλο του εκμεταλλευόμενου κοριτσιού. Αυτή και όλη η περιπλάνηση – είτε πάνω σε τρένα είτε περπατώντας – οδήγησε τον Mark Schilling να τη συγκρίνει με την Giulietta Massina στο La Strada: η γοητεία της Ashikawa είναι τέτοια που δεν διστάζουμε όταν ο tout, εγκαταλείποντας τελικά τα όνειρά του για επιτυχία, την ερωτεύεται. Το ίδιο και ο νταβατζής, ο οποίος αποδεικνύεται ρομαντικός στην κιθάρα: «Τι είναι ποιητής;» τραγουδάει στην κιθάρα του. «Κάποιος με αγνή καρδιά».
Οι λυγερές, εκλεπτυσμένες ιδιότητες του Ruriko Asaoka στην οθόνη είναι πολύ διαφορετικές από την αφελή καθαρότητα του Ashikawa. Παρ 'όλα αυτά, στον 100ο ρόλο της στο Nikkatsu, η Asaoka πρωταγωνίστησε στο Kurahara's Flame of Devotion (1964), όπου παίζει ένα απλό «κορίτσι των βουνών», του οποίου ο ταραγμένος έρωτας με ένα «αγόρι από τη θάλασσα» την οδηγεί (πού αλλού;) σε έναν υγρό τάφο. Ένα κλασικό μελόδραμα giri-ninjo – στο οποίο η αίσθηση του καθήκοντος έρχεται αντιμέτωπη με το ανθρώπινο συναίσθημα – η ταινία δείχνει ωστόσο τα σημαντικά υποκριτικά ταλέντα της Asaoka: μπορεί επίσης να παίξει μια απλή χωριατοπούλα, αν το καταδέχεται. Η μόνη ταινία στην αναδρομική που διαδραματίζεται πριν (και κατά τη διάρκεια) του πολέμου, είναι αυτονόητο ότι υπάρχει λίγη από την αναζήτηση ψυχής για τη δυτική (ειδικά την αμερικανική) επιρροή στην ιαπωνική κουλτούρα που παρατηρείται στις προηγούμενες ταινίες της αναδρομικής έκθεσης. Η τελευταία ταινία που επιλέχθηκε για το Filmex, Thirst of Love (1967), δεν αγγίζει ούτε αυτό το θέμα, παρόλο που προέρχεται από ένα μυθιστόρημα του Yukio Mishima, ενός συγγραφέα που έχει εμμονή με τη διχοτόμηση Ιαπωνίας/Δύσης. Ίσως το κοινό απλά δεν ενδιαφερόταν πια.
Ο Kurahara σύντομα εγκατέλειψε το Nikkatsu και συνέχισε να κάνει οικογενειακές φωτογραφίες. Πολλές από αυτές ήταν ταινίες φύσης, όπως η Αλεπού του Παγετώνα (Kita kitsune Monogatari, 1978). Η Ανταρκτική (Nankyoku monogatari, 1983), ειδικότερα, ήταν μια τεράστια εισπρακτική επιτυχία. Εν μέρει λόγω αυτής της μεταγενέστερης καριέρας, οι σημειώσεις του Filmex σχολιάζουν ότι «η εικόνα του Kurahara ως καλλιτέχνη ήταν διάσπαρτη σε κομμάτια, χωρίς καμία ενοποίηση». Οι αναδρομικές εκθέσεις που επικεντρώνονται στον στάβλο των αστεριών του Nikkatsu, και όχι σε οποιονδήποτε μεμονωμένο σκηνοθέτη, έχουν επίσης αφήσει την καλλιτεχνική φήμη του Kurahara πιο θολή από ό, τι θα έπρεπε. Αλλά η φετινή αναδρομική έκθεση καθιστά σαφές ότι το έργο του στις δεκαετίες του '50 και του '60 είχε σταθερά βασικά θέματα. Αρκετές φορές, ο Kurahara κατάφερε να αντικαταστήσει το απλό είδος για να δημιουργήσει τέχνη.

ΔΗΜΟΣΙΕΎΘΗΚΕ ΑΠΌ ΜΙΓΚΈΛ Π. ΣΤΙΣ 21:12 ΕΤΙΚΈΤΕΣ: ΆΡΘΡΑ, ΚΙΝΗΜΑΤΟΓΡΆΦΟΣ 

Πηγή: Nihon Cine Art: Koreyoshi Kurahara's Early Years (eigageijutsu.blogspot.com)